Edward Weston的「攝影的眼光(Seeing Photographically)」譯文
發表於2008.02.28 14:12

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Seeing Photographically

Edward Weston

 

每一種表現手法對藝術家而言都有一些先天上的侷限,這些侷限可能來自工具、材料、甚至是創作的過程。在比較古老的藝術型式中,這些侷限其來有自,因而被人視為理所當然。我們可以選擇音樂或舞蹈、雕塑或寫作等,因為我們覺得在該表現手法的框架中,可以用最好的方式表現我們要傳達的訊息。

       

 

攝影畫的標準
 
雖然已經過了百年誕辰,但是人們對攝影的認識卻還不十分深入,要了解個中原由,我們得簡單地回顧這個最年輕的圖像藝術的史背景。早期攝影者沒有任何傳統可資借鏡,很自然地會向繪畫取經,這造成攝影不過是一種新的繪畫型式的信念,而有這個信念的攝影者用所有可能方法讓相機產生繪畫的效果,於是由此而衍生出不少以藝術為名的噁心做法;譬如,搭特殊佈景加上像徵性的裝束、與令人頭暈的散焦矇矓等等。
 
        不過,單單這些因素並不足以逆轉攝影的發展,真正的傷害來自根深蒂固的虛假標準,使攝影的目標不再是攝影、而變成攝影畫,從而扭曲了手上工具的真正本質,讓每一項在工具上的改良都變成攝影畫者得要克服的障礙。所以,繪畫傳統的影響延遲了我們對攝影所帶來的真正創意的體認,那些最應該關心攝影的發展、並且開拓新影像資源的人卻完全忽略了這一點,反而全力創作假繪畫,因而離開所有的攝影價值愈來愈遠。
 
        後果就是,當我們編集過去最好的作品時,選用的通常不是唯美的作品,而是迪蓋爾(Daguerre)時代的商業人像、內戰記錄、未經開發的處女地,以及那些專業或非專業攝影者以攝影為出發點、而不理會是否是藝術的作品,我們發現這些作品完全不輸給目前的作品。
 
        但縱使是我們可以用平靜的歷史眼光評鑑上面提到的種種,今天的攝影創作方式仍然與80年前一樣混沌,而且仍然與繪畫的傳統糾纏不清,這可以從使用紗屏(譯註:產生霧狀夢幻式的柔焦)、手工修厎片、以及執著於既有的構圖規則上看得出來。不會用篩子到井邊打水的人,自然不會想到要用相機繪畫這件愚蠢的事。
 
        在攝影畫者創作背景中有一條定律:直接的攝影是純粹的機器成品,所以不是藝術;他們(攝影畫者)發展出很多獨特的技巧來抗拒攝影過程的機械性本質。在這個體系中,底片只是個起點,由此開始把它看成是一個粗糙的初期印象,再用手工不斷地修飾「改良」,一直修到原來底片上的非藝術味完全消失為止。
 
        集合很多歌唱家合唱,由於他們發聲的「器材」的機械特性,也許可以說服音樂家相信他們這部「機器」的歌聲不是藝術;那麼,從攝影畫者得來的靈感,音樂家或許也可以把他的演奏錄下來,再不斷修飾這份錄音、直到他可以把一項美好的器樂演奏轉化成一個糟透了的模擬人聲為止,這算是藝術嗎?
 
        要了解為什麼這樣的手法與攝影不相容,我們得了解在攝影過程中區分攝影與其它圖像藝術的兩個因素:記錄影像過程的特性影像的特性
 
 
記錄影像過程的特性
 
        攝影是所有藝術型式中最獨特的一種,因為它記錄影像的過程在瞬間完成。雕塑家、建築師、作曲家在創作過程中都有機會修改或增添原計劃的內容;作曲家要用一段長時間寫作一首交響曲,畫家可能終其一生創作一幅畫、但仍然不認為創作完成;然而,攝影者記錄影像的過程卻不容許有退出的機會,因為相機記錄所有細節的時間要比從攝影者的眼睛把影像傳到大腦的時間短得多。
 
 
影像的特性
 
        瞬間記錄下來的影像有兩個可以立刻分辨出來的特性:第一是令人驚訝的精確定義、特別是在記錄細節的部份,第二是從黑到白無間斷的無窮色調變化。這兩者是相片的特性,是攝影過程所獨有、無法人為複製。
 
        攝影記錄下來的影像多少有點馬賽克的味道,而不是繪圖或畫作,它沒有畫家眼中的線條,而是完全由一群質點組成。這些極細微的質點讓照片有一種很獨特的張力,過當的人工介入(譬如放相太大或用太粗糙的相紙等等)會破壞這個張力,從而照片的整體性也隨之消逝。
 
        最後,影像特質來自清澄亮麗的色調,這個特質在沒有光澤的相紙上無法表現,只有平滑而有光澤的表面才能令人滿意地重現影像中的清澄與明亮的特質。
 
 
記錄影像
 
上述的兩項特性決定了攝影者使用的處理流程。因為影像是在瞬間記錄下來的,而且影像的本性也不能承受人為的手工修正,所以很顯然地,最終的成品得在底片曝光之前就創作完成。除非攝影者學會了事前看出最終的成品、從而決定為了要實現該成品所需的流程,他的作品(如果能夠算是攝影的話)就不過是一系列幸或不幸的、操作上的意外。
 
        因此,攝影者最重要而且或許也是最艱難的工作、並不是學會操作相機或是沖放技巧,而是學會有攝影的眼光see photographically);也就是說,學會依手上工具的能力與處理流程去看場景或被攝體,在拍攝前就完成把景中的元素與各個值(譯註:明暗度、對比等)轉化到最終成品的手續。攝影畫者習慣主張攝影不是藝術,因為攝影在創作過程中沒有可以控制最終成品的手法;事實上,降低控制最終成品的手法可以簡化學會有攝影眼光的過程。
 
        縱使是拍攝一個靜物,透過改變相機位置、拍攝角度、焦距等,攝影者有無窮的構圖變化;改變光源的位置、角度、與強度,或是加上彩色濾鏡,可以更動被攝體局部或整體的值;使用不同曝光時間、底片、與沖片方式,攝影者也可以更動記錄在底片上的值;在印相時,更可以為某些區域加光或減光再度變動這些值。所以,在工具的能力範圍內,不必使用非攝影的技巧(譬如光學與化學的特性),攝影者就可以從忠實記錄影像的基礎演化到他所期望的層次。
 
        這個豐富的控制能力常常會變成創作上的障礙。事實上,能夠完全駕馭手上工具的攝影者為數不多,攝影者反而常被器材所奴役;就像是關在籠子裡跑個不停的松鼠一樣,他們會不斷換相紙、換沖洗藥劑、換新相機,但就是不會把一項器材用得久到可以學會、並且發揮它的全部能力,結果就在沒多大用處或根本沒有用的技術資訊迷宮中失去方向,因為他們不懂如何運用這些資訊。
 
        只有長時期的經驗才有辦法讓攝影者把技術性的考量轉化成創造影像的助力,不過用最簡單的器材與處理流程、而且持之以恆,卻可以把學習過程變得容易得多。所以,用鏡頭的視野觀景、而且用單一底片與單一相紙所能學到的,很可能會比收集一大堆各種工具的一知半解零碎知識多得多。
 
        攝影者必須要體認到攝影是一套不可分割的過程,他不應該執著正確的曝光、完美的負片等等廣告式神話,而應該學習為了要得到心目中期望的成品得用何種底片,然後如何控制曝光與沖洗過程來在底片上產生期望的影像;在學會如何滿足某種印相的需求之後,就應該學習如何修飾這個流程來達到另一類印相的需求;更進一步地,還得學會如何把彩色轉換成黑白、以及判斷光線的強度與品質。經過不斷的練習,這一類的知識會變成直覺的本能,於是攝影者就學會了用最終的成品為準來看場景與被攝體,而不必去想每一個步驟該怎麼做。
 
 
取材與構圖
 
        到目前為止,我們只談到攝影眼光的技術層面,接下來要看看如何把透過相機的觀察用在取材與構圖上頭。攝影取材與其它圖像藝術取材之間並沒有很明顯的分界,不過從檢視以往的作品以及對工具特性的知識做基礎,的確是可以建議幾個能夠讓攝影者的努力開花結果、而且指出應該儘可能避免的方向。
 
        縱使是用了最精緻的攝影手法,前面提過的攝影畫者的作品是不可能有大成就的。攝影基本上是忠實記錄一個主題的工具,它追尋隱藏在化菻嵾悸犖t員,去掉矯情的、平凡的、人為的等等表像而還原成本來的面目。但是相機忠實的本能卻很不應該被看成是這項工具的侷限,因為它只限制了原本屬於畫家的取材;另一方面,相機提供了攝影者一個可以深入觀察物件的本質、並且呈現題材基本真實面的工具,它讓攝影者用極為清徹的洞察力揭露鏡頭前方事物的本質,甚至讓觀賞者覺得再生的影像更真實、更豐富。
 
        很遺憾的是(至少可以這樣說),攝影本身用新方式展現新事物的巨大能力應該要被大多數目前的代表性人物忽略,好在是事實上也的確如此。目前畫家傳統的影響力正在衰退,但又被所謂的沙龍心理取代,這股力量透過虛假的標準以及不鼓勵任何新的創意正在約束攝影的發展。
 
        今天的攝影者不再需要把作品弄得像淡彩畫(wash drawing)一樣才能稱之為藝術,但是他卻得遵守「構圖規則」,這正是目前的萬靈丹!在拍攝前想一想構圖規則,就有一點像是出門散步前要想一想地心引力定律一樣的沒有意義。這些規定與法則是從既有事實中歸納出來的,它們基本上是一種回響與事後檢驗得來的結果,而不是創作原動力的一部份。如果在創作取材時得要滿足預定的型態,作品就不會有新視野,遵守構圖規則會造成在畫面上重覆一些陳腔濫調。
 
好的構圖是最強烈表達主題的方式,但是好的構圖不是教出來的,因為就像是所有創作的努力,這是個人成長的累積。與其它藝術家相通的是,攝影者透過他的作品把自己對被攝體的感覺傳達給別人,為了要達到這個目的,攝影者最大的資產是他使用流程的精確與直接的特性,但這一項優點只有在攝影者把器材與技巧簡化到最低程度的需求、並且不讓所有公式、藝術教條、規則、與禁忌左右時才會成功,也只有這樣,他才能用自己對攝影的洞察力發現並且展露他所在世界的本質。
 
 

 

後記

 

      這篇文章Seeing PhotographicallyEdward Henry Weston通常寫成Edward Weston寫的原刊在The Complete Photographer的第91943),第49期3200到頁3206不少攝影讀物中不難找到英文原文。本文採用刊在The Encyclopedia of Photography18卷(1964年)中加了副標題的版本。

        Edward Weston1886324日生於美國Illinois(伊利諾)州的Highland Park195811日逝世,是攝影史上極為重要的人物,有人甚至認為他是20世紀最有影響力的攝影家之一,用”Edward Weston”上網搜尋不難找到很多他的作品,知名度最高的是Pepper #30Dunes, OceanoNude 1936三者。 http://www.edward-weston.com/ Edward Weston家族的網站,在那兒您可以看到作品與書籍等等,他的後人也都是成名的攝影家。

 
        19世紀末20世紀初,一些攝影家認為影像太過銳利、細節太清晰、與繪畫相比差太遠,所以他們倡議把攝影提昇到精緻藝術的層次,有別於普羅大眾隨手拍攝的作品。這些攝影家認為直接的攝影不是藝術,而且照片應該與繪畫一樣呈現美感;換言之,他們認為主題的重要性次於照片的美感。所以,他們用盡所有方法把照片修成一份畫作,這些技巧包含了用針或刷子修飾底片、合成若干張底片、在相紙上加塗特殊化學藥劑、在鏡頭前方加上紗屏等等(是不是很像今天數位暗房的後製),刻意抹掉鏡頭記錄下來的銳利細節,讓放出來的照片像一幅畫。這一派叫做畫意攝影主義pictorialism),文中把這些人稱為photo-painter,我把它譯成攝影畫者。
 
        第一次世界大戰讓人們仔細思考了很多問題,其中當然包含了攝影的內涵與攝影的角度,這是現代主義modernism)的萌芽。Edward Weston早年在芝加哥(Chicago)有個商業人像照相館,而且在拍攝柔焦人像方面已經享有相當令譽,但受到現代主義影響,他放棄了這種唯美思潮,反而轉過來批評畫意攝影主義。他強調相機是用來記錄並且呈現主題的真實面、而不是用來作畫的,同時他認為那些後製手續破壞了攝影的真;另外,他也認為繪畫中的構圖規則不值一顧,因為創作的根源不在構圖規則,如果都遵守構圖規則,作品就會千篇一律、重覆一些陳腔濫調。
 
        Edward Weston提倡我們今天耳熟能詳的pre-visualization(或pre-conception)概念,但他用的是seeing photographically,這也是這篇文章的標題。在這兒,seeing photographically的意思是「用攝影的角度去看」,不過這樣讀來有點不順,所以我把它譯成「攝影的眼光」。在Edward Weston的眼中,攝影並不是只按下快門記錄影像,而是一個無法分割的過程;換言之,攝影者為了得到一張作品,他必須先想到要得這個結果得如何選擇相紙、如何放相、如何沖底片、用什麼底片、如何曝光等等。於是,成功的作品來自一雙可以從期望的最終成果預先(也就是在按下快門之前)看出整個流程的攝影眼,當然整個流程就是無法分割的整體。在這篇文章中,Edward Weston不厭其煩地用不同的角度反覆這個論點。
 
        Edward Weston認為主題的本質是不能用人工改變(包含後製)的,他主張攝影者應該精準地記錄影像;但他認為拍攝角度、打光、沖洗、放相時加光減光是整個攝影過程的一部份,不過他並沒有談到技術細節,這要等到Ansel Adams的研究出現才有一個比較完整的體系。在1930Edward WestonAnsel Adams等人成立了西海岸f/64小組全力發展他們的理念:精準地呈現主題的細節(所以要用光圈f/64、大底片、不放大而直接印相等等),這就是攝影界的精準主義精確主義Precisionism);精準主義源自美國畫家對完全客觀概念的自省,f/64小組可以看成是精準主義思潮在攝影界的延伸。
 
        精準主義的攝影家傳世作品極多,但他(與她)們描述自己創作過程的文字卻很少,如果您有興趣的話,不妨看看Ansel AdamsExamples這本書(見 http://www.amazon.com/Examples-Making-Photographs-Ansel-Adams/dp/082121750X/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=books&qid=1203489704&sr=1-1 )。Ansel Adams1983年挑選了40張他認為最好的照片,每一張都附了一篇短文,說明如何拍攝等等的細節,私下認為這是愛好攝影的朋友不可不讀的好書。Edward Weston沒有寫類似的書,不過您可以在Amazon.com上找到大量有關他的生平與作品的書籍,如果您想知道Edward Weston在攝影、取材以及其它方面的思考(或心路)歷程,不妨看看他本人的日記:Edward WestonDaybooks of Edward Weston(見 http://www.amazon.com/Daybooks-Edward-Weston/dp/0912334444/ref=sr_1_5?ie=UTF8&s=books&qid=1203490465&sr=1-5 ),很有意思的一本書,不過己經絕版、只能買二手了。
 
        希望這篇譯文與上面的解釋可以幫助您了解在攝影界曾經(20世紀初期)出現過的主要思潮,鑑古知今,我們是否也可以在這篇文章中看到今天常見的爭議(譬如,攝影是不是藝術、後製算不算攝影等)原來近百年前就曾經吵翻天過,再翻同樣的議題、重覆相似而無新意的論點,是不是有點庸人自擾?
 
        因為原文相當簡潔、而且不是用今日常見的寫作風格,在譯這篇文章時為了容易閱讀而且也為了迎合我們的用詞用字方式,有些地方是直譯、有些地方是意譯、有些地方則加上幾個字把原作的意義說得明顯些或做稍許引伸,希望這些更動不會扭曲原作。
 
請批評指教。
 
 
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回應

探長  於2008.02.29 10:41  

相當棒的一篇分享!!
讓人省思,也謝謝您辛苦的翻譯~~

藍詩  於2008.02.29 14:40  

謝謝分享

將文章印下來了,要來好好思考裡頭的內容.

kodun  於2008.02.29 15:10  

的確
攝影的基本面就是紀錄
美與不美都是一個時間點的紀錄
小兒出生的樣子讓我想起一張國小同學的合照
樣子最醜的那個 在眼前又現 千真萬確這就是我生命的延續 (附記__小兒與我長大後都還可以)

DTau  於2008.02.29 15:22  

好文章, 值得大家思考.

奇摩小趙  於2008.02.29 21:37  

感謝冼老師分享,值得細細品味的好文章!

waterhead  於2008.03.01 03:25  

若將立足點改至繪畫角度來看
會有許多有趣的反向思考
不少藝術家認為,攝影所呈現的真實只是對於物件外觀的忠實呈獻,甚至僅能以單點透視和單一視點單一時間的呈現,與物件的真實樣貌或理形,這種誤差空間可能反到比繪畫還多.
而比對於許多孤立主義或形式主義的美學觀點
因為攝影必然是"有形象"的,攝影的美感價值在於這個形象被辨認之後,因此很難具有純粹的形式美感.
(而經由"認識"而生的美感經驗又往往被解釋為不純粹的)
關於攝影或影像的本質問題,以及與繪畫間的比對,小弟最近也在做些思考
相關的文章整理在以下的網頁
http://www.wretch.cc/blog/artree&category_id=11291761
當然中間還有許多問題,畢竟對於攝影理論的接觸相較於繪畫少的多
也歡迎批評與指教

tmtcman  於2008.03.29 23:34  

值得令人細細品味的一篇文章,每當器材迷思氾濫時,這類的文章就能將硬體思維抽離,過去唸書時西洋美術史跟現代藝術都沒有好好看,在創作過程中總是講究工具,但是藝術創作的歷程以及最後作品帶給人的共鳴並不是經由工具所創造,而是工具使用者的用心,以前也是學畫畫,但是玩攝影時卻忽略了兩者的差異,卻又沒有掌握共同的本質,擁有靈魂的影像作品應該才是創作的目標.

感謝洗老師的分享

shermanmclee  於2009.01.06 21:18  

感謝冼老師分享.

冼老師提到的Ansel Adams的Examples這本書
(Adams在1983年挑選了40張他認為最好的照片,每一張都附了一篇短文,說明如何拍攝等等的細節),認為這是愛好攝影的朋友不可不讀的好書。

小弟今日發現在台灣有中文譯本:安瑟亞當斯創作回憶錄/攝影家出版社/1990初版(北市圖可借到).本書是由Ansel Adams的兩部書合編而成:
1.Letters & Images 1916-1984
2.EXAMPLES: The Making of 40 Photographs 1983

有興趣的朋友不妨借來看看.......

再一次感謝洗老師的分享.

Alan  於2009.03.22 15:54  

感謝洗老師文章分享,
細讀文章之後,總是會激起片刻漣漪(有問題請教).
早年曾看過一位國外攝影師的作品(名字忘了).
他的作品(有點商業氣息).
他是把拍過的黑白相片,洗出相片再予彩繪(作品很有特色).
這也是攝影藝術的創作嗎?或是攝影的加工,變成商業的攝影.

版主回應︰ 於 2009.03.25 05:03

這是個很難回答的問題,而且也見仁見智,但大致上不會是主流。這類型的創作技巧可能來自十九世紀末與二十世紀初的畫意攝影(pictorialism),畫意攝影者(大多數在今天已經被人遺忘、或轉型成功而成為大師)不但大修特修底片、也在放相時大動手腳(上色只是其中最簡單的技法),目標就是要製造作者心目中浪漫或夢幻的效果。網上不難找到畫意攝影時期的佳作,而且現代人也樂此而不疲(請看中外各大論壇的貼圖),但不論如何,這已經是近百年前的思潮,目前攝影家已經很少走這條回頭路了。

luh  於2009.08.15 10:45  

洗老師:
您的大作,小弟已購買並拜讀,感謝您的用心。您在網路上的文章,小弟亦感收穫良多。真的謝謝您在台灣攝影界的耕耘與用心良苦,讓我们這一群愛好攝影的人,能在攝影的知識與觀念上能得到更多、更紮實的理論基礎。在這裡有一些問題想請教洗老師,請問老師您的攝影的理論基礎(包含光學)是如何建立的?相關的攝影參考書籍和資料又是如何獲得?可否不吝指導!感謝萬分!也想請您繼續發表相關攝影文章,台灣的攝影界需要有您這樣的明燈持續照耀!感謝。支持您的luh.

版主回應︰ 於 2009.08.16 15:05

謝謝您的支持。大凡一套理論總是有個頭的,一但找到了源頭與脈絡,追溯起來就方便多了。在非科技方面,我一直很鼓勵朋友讀一讀攝影史的好教科書,這樣的教科書通常會把攝影的思想、理路、流派、哲學、發展等等有個概略的介紹,看過並且讀懂之後再找出自己有興趣或有意深入了解的部份,然後找專書精讀就必有所得。光學方面,最好先有點預備知識,然後找photographic optics或photographic lens的書看,這差不多就有了基本功,接著才能做進一步的探討。然而國內有關攝影的出版品以速食知識居多(我的印象)、有深度或廣度的極少,翻譯著作中詞不達意的所在多有,因此看外文書似乎是個必要之惡。如果能看英文,Amazon.com就是個大寶庫,取之不盡用之不竭。至於說到自己建立基礎的方式就有點難說了,我從小在一個很特殊的環境中長大,習慣了在完全沒有他人支援的情況下自己解決問題、單打獨鬥的生活,所以進入傳統教育系統中一直不是老師眼中的好學生,因此個人的經驗在他人眼中是很難被duplicate的。不過若您有需要,請不要有所顧忌,在此地直接提出來,我當竭盡所能回答您的問題。

chun yi wu  於2013.05.16 01:26  

洗老師
我想借用這篇Edward Weston的中譯文至個人的FACEBOOK攝影社團中
藉此徵詢您的同意~
如有漏失敬請指教

版主回應︰ 於 2013.05.16 11:04

很抱歉,基於著作權原則,這一篇譯文是不能轉載轉貼的。

chun yi wu  於2013.05.16 22:38  

我以為轉貼連結是OK的~
沒關係~謝謝您

版主回應︰ 於 2013.05.17 00:27

連結並沒問題,但是轉載或轉貼就不行了,因為原來的授權僅限於在本部落格中出現。

james marantz  於2014.01.18 18:40  

值得細味思考!
感謝冼老師的分享介紹~

KL  於2014.07.30 14:44  

感謝老師無私分享文章,
後輩受用無盡,
謝謝您

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